Policías y Ladrones nos explicaron cada canción de su genial disco debut 'Flores'

Existen dos caras de la música garage en México: La vieja escuela de Los Explosivos, Los Chicos Problema, Mustang 66 y hasta Los Monjes, que en los años 60 se consagraron como uno de los padres de este género, y, por supuesto, la nueva escuela de bandas con muchísimas sub-ramas y vertientes dentro de su sonido, como lo son Los Blenders, O Tortuga, Dinosaurios Surf Club y otras. Si bien no precisan el toque clásico de Los Monjes o Los Explo, Policías y Ladrones sí se desentienden del acelerado y rápido juego de rasgueos de otros contemporáneos como Los Blenders y O Tortuga.

Policías y Ladrones es una de las bandas más significativas en la nueva ola de música tijuanense que está explorando el pop y el rock como vehículos musicales adecuados para esta convulsa y compleja época. Su situación geográfica les ha brindado mucho de los sonidos norteamericanos que comúnmente llegan a la frontera y dan ese toque extra a los proyectos que nacen en ciudades de este tipo. Sin precisar un aspecto punk, abusan de sus distorsiones, pero no dejan a un lado aquellos dulces matices pop que nos hacen repetir sus canciones una y otra vez cuando las escuchamos en nuestros audífonos.

El año pasado este cuarteto puso a circular su placa debut: Flores, nueve temas que han sido considerados como lo mejor en la producción musical independiente del país para 2016. Flores es un disco donde las fuerzas de la adolescencia se conjugan con la nostalgia del pop en un logrado ensayo de garage melódico que se vuelve adictivo conforme se escucha. Le pedimos al cuarteto que nos llevara de la mano por cada uno de los nueve tracks que conforman Flores. El resultado, abajo.

Andrés Corella: La letra de Andy Warhol se escribió con la finalidad, no tanto de contar una historia, sino de describir imágenes. Durante el tiempo que estuvimos trabajando en Flores, nos encariñamos con la idea de poner en sintonía la letra con el feeling de la canción. Originalmente solíamos tocar "Andy Warhol" un poco más lento, pero decidimos subir la velocidad, en parte influenciados por bandas como Pixies y El Otro Yo. Y a lo largo del disco, van apareciendo referencias musicales a estas y otras bandas de alt-rock noventero. Decidimos abrir el disco con esta canción para dejar en claro nuestras influencias y de qué va el resto del disco.

Nuestros amigos Luis Aguilar y Miguel Ahuage (de Vaya Futuro) pusieron coros y percusiones que, a nuestro parecer, le agregaron mucha calidad a la canción.

AC: Desde que terminamos de componer esta canción, comenzamos a imaginárnosla como parte de un conjunto –de un álbum. En este sentido, comenzamos a conceptualizar la idea de hacer un disco a partir de "Ya no soy tu amigo". Originalmente la imaginábamos al inicio, como opening track.

La canción, como muchas del disco, surge de ensamblar distintas secciones o ideas que surgieron de forma separada. De igual forma, la letra se fue construyendo y modificando mediante uníamos más partes.

El final de esta canción es uno de nuestros favoritos para tocar en vivo, porque sentimos que ejemplifica el sonido que buscamos: sencillo, sin pretensiones. (Andrés Corella).

AC: Tanto la música como la letra de "Siempre no" tienen la intención de decir algo corto, rápido y directo. Queríamos hacer un canción que brincara de una sección a otra tras otra hasta llegar al final de forma un tanto adelantada.

Tiene influencia de algunas canciones que nos gustan de Los Planetas y Alvvays. (Andrés Corella).

Alonzo Ackerman: Lo primero que surgió fue el coro y la frase que da nombre a la canción. Después escribí el resto de la letra, prácticamente de principio a fin. Lo cual es raro, porque normalmente la letra va surgiendo conforme vamos componiendo y ensayando la canción. Quizá por eso sea la letra más larga y con más metáforas del disco.

Musicalmente, nadie tiene claro cuáles eran las influencias de esta canción. Teníamos una letra nostálgica, llena de metáforas e imágenes. Ponerle música a la letra era la principal intención.

Esta canción es de las más antiguas del disco y creo que mantiene mayor influencia con el punk, un genero que solía estar más presente en nuestras primeras canciones como banda. En 2015 un amigo nos invitó a grabarla para alguna de sus clases de ingeniería en audio. Aunque es una versión bastante rústica, nos gustó. Hay un videoclip de esa versión de la canción que grabamos en nuestras casas. Para el álbum, decidimos volver a grabarla.

AA: Para los que no lo saben, el Colorado es un cerro en Tijuana. Alguna gente piensa que esta canción es un tributo a este lugar, pero no es así. El título lo decidimos después de terminar la canción.

La letra habla en téminos generales de la fascinación humana por las alturas o los paisajes. En parte basado en experiencias propias, me vino a la mente la imagen de una persona huyendo a un cerro para observar la ciudad como un método para confrontar lo que ese lugar le provoca. Alguna gente me ha dicho, la ve como una canción pesimista, pero en realidad trataba de hablar de las cosas que a veces uno necesita hacer para sentirse bien.

"Cerro Colorado" tiene algunos de los arreglos y líneas de guitarra que más nos gustan y disfrutamos tocar.

Existe un video que grabó nuestro amigo y videasta Marco Aurelio Celis con una versión distinta a la del disco. Nos gustaría decir que el video se grabó en el Cerro Colorado, pero no pudo ser así. No era la mejor idea porque en ese cerro hay muchos asaltos; queríamos grabar un videoclip y no morir en el intento.

AA: Queríamos tener una canción con una sección musical más extensa a las que solemos hacer. Terminó siendo una cancion divida en dos partes; una en la que se canta verso tras verso, y la segunda parte, que es prácticamente instrumental. Quisimos que esta sección fuera sencilla, rápida y repetitiva, nada muy rebuscado. Pensábamos en Sonic Youth e incluso en el krautrock, pero surgió una sección instrumental que aunque no suena a las influencias que teníamos en mente, nos encanta tocar.

La letra es a la vez una reflexión sobre "crecer" y a la vez sobre no ser capaz de hacerlo. El personaje de esta canción se la pasa discutiendo cosas que tuvo que haber solucionado tiempo atrás, pero no ha podido.

Luis Marco Munguía: Es la canción que menos trabajo nos tomó grabar en el estudio, a pesar de ser de las últimas en componer para el disco. Tuvimos muy claro cómo queríamos que fuera la producción y el sonido que buscábamos y salió en la segunda toma. Sentimos que el disco se puede dividir en dos partes: en la primera las letras son un tanto arrogantes y más sobre reconocer emociones; en la segunda trata más sobre las decisiones difíciles que involucran a más de una persona, sobre las relaciones interpersonales.

Específicamente, en esta canción se habla sobre los lugares de confort y cómo pueden ser igual de abrasivos que la situación que se pretende evadir. Musicalmente, pensábamos hacer algo lento y sentimental. Uno de las bandas que más escuchamos en 2015 y 2016 fue Beach House, nos gustaría pensar que fueron una influencia para "Días sin salir".

LMM: Fue la última canción que compusimos para el álbum. Es una canción que pretende ser un cambio de ritmo con el resto del álbum, como para "bajar avión". Es muy distinta a lo que habíamos hecho antes de este disco, también creemos, la que tiene el coro más pop. Pensamos en usarla como la penúltima canción en el tracklist, especialmente por la letra y su tempo. El resto de las letras del álbum hablan en su mayor parte sobre confrontaciones, situaciones de angustia, auto realizaciones donde el narrador sale mal parado por lo que siente o cree sentir, y en "Japón" se trata más sobre conciliar, reparar lo que tenemos.

La idea detrás del título de la canción y parte de la letra es que queríamos usar el trillado recurso dentro de la esfera del "indie rock" de referirse a "lo japonés" o aludir a estéticas "japonesas," pero usándolo de forma que se sintiera importante para la historia de la canción.

LMM: Es un pequeño tributo a "Lost in the Supermarket" de The Clash. Quisimos grabarlo de la manera más primitiva posible y sin arreglos complicados como un recordatorio de cómo surgen todas las canciones: con una guitarra acústica, voz y siempre tomando en cuenta otros artistas que te influencian.