Composiciones fotográficas que exploran el inconsciente colectivo

Yuxtaponiendo fotografías análogas con técnicas digitales, Pablo Sierra investiga lo intangible de la realidad.

por Luis Carreño

26.5.16

Todas las fotografías cortesía de Pablo Sierra

La reflexión personal, igual que en muchos artistas, es una de las principales inspiraciones. Pablo Sierra, originario de México pero asentado en Nueva York, explora a través de la fotografía su inconsciente. Mediante yuxtaposiciones de fotografías digitales con análogas, Pablo explora los significados cotidianos que le dan sentido a nuestra realidad. El resultado estético de su obra es una recreación etérea y sobrenatural de lo que no es tangible, provocando un diálogo interno que invita al espectador a sumergirse en su mente. Platicamos con Pablo sobre Naturae, su nueva serie; procesos creativos, contexto y música.

Lee la entrevista completa abajo.

¿Cuál es el trasfondo de tus composiciones fotográficas?

A mí me interesa la conciencia. Retratar ese ámbito que no es parte de la realidad física, pero que tampoco está separada de ella. Mis fotografías hablan de un espacio entre lo tangible y lo intangible, entre lo abstracto y lo figurativo. Me interesa frenar un poco la prisa con la que se crean y se observan las fotografías hoy en día. Hacer un espacio para considerar ciertos temas que se nos pasan por alto en la vida diaria. Entiendo a la conciencia como una matriz de significados, la cual asigna valores y sentidos a las experiencias de la vida al tratar de comprenderlas. Mi objetivo es crear un espacio, con estas fotografías, que propicie el debate interno. Una invitación a cuestionar nuestros propios significados, y por lo tanto, nuestra propia consciencia.

Cuéntanos sobre tu proceso creativo… ¿Cómo y qué herramientas usas para lograr el resultado final?

Para mí el proceso creativo empieza con la inspiración que encuentro todos los días en la vida cotidiana. Sin embargo, esta cascada de inspiración requiere discernimiento, y esto suele ser un gran obstáculo. Antes de empezar a fotografiar me encuentro pasando ratos largos a solas pensando, asentando los estímulos e investigando diferentes temas que pudieran interesarme para el proyecto. Siempre empiezo a fotografiar con una idea en bruto que se transforma con cada nueva imagen y no termina de formarse hasta varias semanas después de haber concretado todas las fotografías de la serie. Necesito tiempo a solas también para observar y sumergirme en cada fotografía antes de saber de que me hablan, y por lo tanto, de que me habla la serie. Para retratar esta realidad etérea, he desarrollado un proceso que incluye de dos a cuatro cámaras, tanto análogas como digitales. Después de hacer las tomas análogas con una cámara de formato grande, ilumino los negativos y diapositivas con proyecciones de fotografías digitales. Retrato de esta manera, y sin la ayuda de manipulaciones digitales, la coexistencia de estos dos ámbitos de la fotografía: el archivo digital intangible iluminando al negativo físico.

¿Tiene alguna importancia contextual la mezcla de técnicas análogas con digitales?

Desde luego. De manera más evidente, la idea de ilustrar la coexistencia de las realidades tangible e intangible. Ámbito que alude al plano donde existe la conciencia. Sin embargo, iluminar un negativo tiene un efecto que ningún otro sujeto tiene en la fotografía. La cualidad traslúcida del negativo requiere que la luz lo atraviese, iluminándolo desde adentro. Si bien la luminiscencia que esta técnica permite es importante para el contexto etéreo al que aludo con mi obra, la idea de iluminar a alguien desde adentro tiene una importancia conceptual de mayor alcance: Mis sujetos, como la conciencia, se iluminan desde adentro.

¿Cómo se relaciona la audiencia con tus piezas?

Mi obra suele impactar mucho a la audiencia a primera vista. Son imágenes que no se presentan en la vida diaria, y que a menudo requieren de una pausa para comprender que no son completamente abstractas. Podría decir que normalmente las personas van descubriendo formas y sujetos escondidos en las composiciones. La idea es hacer pensar a la audiencia, presentar preguntas que generen un debate interno más que una respuesta. La obra suele ser fascinante o completamente fuera del área de interés para el que la observa; es raro encontrar puntos medios. También es difícil generalizar la relación de la audiencia con mis piezas, ya que la experiencia del arte es muy personal y sobretodo cuando los conceptos son tan íntimos.

Si pudieras ponerle soundtrack a tus fotos, ¿Qué escogerías?

Me parece muy curioso que me llegue esta pregunta en este momento. Estoy empezando una colaboración con un músico y artista sonoro de la India. Encontré en su música una gran resonancia con mis fotografías, además de muchas ideas en común. Su nombre es Bradley Tellis, y usa el nombre Schlick en el mundo de la música. El proyecto comenzó hace un par de semanas y está muy verde todavía, pero nos estamos moviendo hacia la idea en común de lo que significa para nosotros la inspiración, de donde viene, y por qué llega. No quisiera decir más que eso ya que el objetivo es a largo plazo, de uno a dos años, y el proyecto se transformará mucho en ese tiempo pero pueden escuchar la música de Schlick aquí.